Current Events

How Fish Learn About Water

1. – 30. October 2022
Group Show, T3 Photo Festival Tokyo, Tokio

ABOUT T3 PHOTO FESTIVAL TOKYO
T3 PHOTO FESTIVAL TOKYO is a photo festival that develops three pillars: (1) photo exhibitions, (2) talks and events, and (3) student projects, with the vision of becoming “an Asian hub for nurturing the next generation of photography culture.
After holding its predecessor “Tokyo International Photography Festival” in Jonanjima, Ota-ku, Tokyo in 2015, the first festival was held in Ueno Park in 2017 as Tokyo’s first outdoor international photography festival.
From 2020, the Tokyo International Photography Festival will be held as an urban outdoor photography festival using public open spaces in Tokyo Station and the east side area (Yaesu, Nihonbashi, Kyobashi).
The festival will take the margins of the city as a medium to challenge new interpretations of urban space and the possibilities of photography by exhibiting works by photographers and developing events that will generate new human interaction.

 

I am not a Robot

16. September – 27. November 2022
Group Show, Ludwig Múzeum, Budapest

I am not a Robot. On the Borders of the Singularity.

As a harbinger of the (supposedly) imminent arrival of the Singularity, the exhibition explores the powerful impact of technological development on our daily lives.

One of the defining global phenomena of our time is digitalisation, which has transformed human life in an evolutionary leap over the past decades, rewriting centuries of fixed habits, forms and behavioural patterns. The digital turn is still ongoing, with our lives moving from offline to online, and the digital presence growing rapidly. Digital technology in its current state is a new normativity that is part of work and life: not an enemy, not a friend, but a natural part of life…

Playmode

20. July – 12. October 2022
Group Show, CCBB – Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro

Since very early on, artists have understood the power of transformation of play, integrating it into their works with distinct purposes -evasion of reality, social construction and transformation, subversion or criticism of the very mechanisms of play and games. The exhibition Playmode proposes a reflection on these aspects and on the period of ludification that contemporary societies are going through, bringing together the work of several artists who adopt the theme and explore new ways of seeing, participating in, and transforming the world, using play in a critical manner.

Curators: Filipe Pais and Patrícia Gouveia.

 

The Glass Room

18. January – 26. November 2022
Group Show, MOD, Adelaide

The Glass Room MOD
The Glass Room is a public intervention that aims to educate about technology. With a sleek tech shop vibe, visitors can freely and critically discuss their relationships with data privacy.

Having toured Europe and the US, it will be visiting Australia for the first time in 2022.

From the tech boom to tech backlash, our understanding of the digital has become both deeply personal and deeply political. Our desire for convenience has given way to questions about the trade-offs for how much we can control our data and our understanding about how it is used.

The Glass Room is a place to explore these ideas. The objects here bring to life the hidden aspects of everyday technologies and examine how they are changing the way we live. The objects in The Glass Room provide unconventional and unexpected ways of seeing your relationship with your data.

As technology becomes embedded in every part of our lives, The Glass Room helps you look deeper into the digital: Does your personal data say everything about you, or is it an imperfect portrait? Do more tools, apps, and information make us better and more efficient, or are we giving away more than we want in return? What goes on behind the screens and inside the black boxes of the devices we interact with everyday? If we knew, would we still sign in or click ‘I agree’? How much trust do users invest in big tech companies, and what can be done if that trust is broken? If you want to learn more, you can visit our Data Detox Bar to pick up our Data Detox Kit, which offers you simple tips to enhance your digital privacy, security, and wellbeing.

Featured Artists:

Dries Depoorter, Aram Bartholl, Kiki Mager, Bengt Sjölén, Danja Vasiliev, Sebastian Schmieg, !Mediengruppe Bitnik, Tega Brain / Sam Lavigne, Kyriaki Goni, La Loma, and Tactical Tech

?>

Upcoming Events

Ihr Paket ist ab sofort abholbereit!

8. July 2023 – 25. February 2024
Solo Show, Kunsthalle Osnabrück, Osnabrück

Enigma

19. November 2022 – 19. November 2023
Group Show, Museum of Communication, Kopenhagen

Communication pervades our lives more than ever before. With the digital channels, we are constantly accessible and can publish ourselves wherever and whenever we want. But despite the many great opportunities, the tide of information may often appear confusing, polarizing or hateful, and our public conversation is challenged.

On November 19, 2022, ENIGMA will open new exhibition areas and a large children’s area, in which we look forward to welcoming everyone.

Kunst gegen Rechts

4. November – 22. December 2022
Group Show, NGfZK - Neue Galerie für Zeitgenössische Kunst, Gera

Eingeladene Künstler:innen:
Ulf Arminde, Stefan Alber, Aram Bartholi, Fehmi Baumbach, Marc Bijl,  Jessica Buhlmann/Zao, Zuzanna Czebatul, Moritz Frei, Jana Gunstheimer, Christian Henkel, Verena Issel, Zoe C. Miller, Anne Mundo, Rainer Neumeier,  Angelika Nguyen, Thomas Prochnow, Regina Schmeken, Schroeter&Berger, Kristina Schuldt, Raul Walch, Christian Werner, Ina Wudtke

Die siebte Ausstellung der Reihe KUNST GEGEN RECHTS nimmt den 30. Jahrestag der Pogrome von Rostock-Lichtenhagen als Anlass, um kritisch auf aktuelle, gesellschaftliche Konflikte einzugehen.

Deutschland ist eine postmigrantische Gesellschaft der Vielen. Immer noch wird diese Tatsache viel zu wenig zur Kenntnis genommen. Der Wiedervereinigung am 3. Oktober 1990 folgten rassistische Ausschreitungen und Mordanschläge in Rostock, Mannheim, Hoyerswerda, Mölln und Solingen bis zur Terrorserie des NSU. Es folgten Anschläge auf jüdische Friedhöfe und emanzipatorische Projekte. Eine wiedererwachte deutsche Volksgemeinschaft kroch aus den Löchern hervor.

Der rechte Populismus, der die Kultureinrichtungen als Akteure einer gesellschaftlichen demokratischen Vision angreift, steht der Kunst der Vielen feindselig gegenüber. Die Neue Rechte hat die Kulturpolitik als Kampffeld entdeckt, um ihre völkischen Vorstellungen umzusetzen. Rechte Gruppierungen und Parteien stören Veranstaltungen, verhindern Ausstellungen, greifen in Theater-Spielpläne ein, polemisieren gegen die Freiheit der Kunst, gegen Dekoloniale Erinnerungsprojekte und arbeiten an einer Renationalisierung der Kultur. Es wird einFeldzug gegen zeitgenössische, „undeutsche“ Kunst geführt, die als „neumodische Extravaganzen“ und „exzentrische Randgruppenkunst“ bezeichnet wird, wie aktuell gegen den Kunstverein in Zwickau.

Seit dem Ausbruch der Pandemie, stehen viele Dinge auf dem Prüfstand. Es zeigte sich, wer ein solidarisches Miteinander praktiziert und wer als Pandemiegewinnler oder Coronaleugner die Krise für eigene Interessen nutzt. Bei den sogenannten Querdenken-Demonstrationen kommt es zu einer fatalen Zusammenarbeit verschiedener Akteure. Rechte Gruppierungen und Parteien gewinnen immer mehr an Einfluss. Antisemitismus ist in der neuen Bewegung stark vertreten, wie auch eine Verharmlosung der Shoa und der Gleichsetzung der NS-Zeit mit der aktuellen Situation.

Safe Mode: Amplified Realities

8. October – 5. November 2022
Group Show, TILT Platform, Athens

The current mutated “epidemiological” societies within which we exist reveal that any previous indication we had about the term “safety” is now in limbo. TILT Platform has started exploring and developing the concept “Safe Mode” likening it to the indication safe mode appearing on our computers and smart devices, when they stop functioning properly after a major technical crisis. The process of safe mode emerges as the only possible solution. Comparing this state of technological malfunction to the processes of contemporary life, psychology and human behaviour, the term safe mode acquires an anthropological character.

Recent Events

On Equal Terms

15. – 25. September 2022
Group Show, Uferhallen, Berlin

From September 15 to 25, the Uferhallen will present the group exhibition On Equal Terms.

With:
Stefan Alber , Aram Bartholl , Antje Blumenstein , Benedikt Braun , Lou Cantor , Peter Dobroschke , Maria Eichhorn , FORT , Heiner Franzen , Wolfgang Ganter , Asta Gröting , Christian Henkel , IOCOSE , Šejla Kamerić , Bianca Kennedy , Peter Klare , Werner Liebmann , Tommy Neuwirth , Manfred Peckl , Alona Rodeh , Hansjörg Schneider , Bettina Scholz , Ann Schomburg , Mark Wallinger , Klaus Weber , Nicole Wermers

Curated by  Sophia Gräfe und Arkadij Koscheew.

A large majority of Berlin-based artists are trying to resist the eco‐ nomic displacement of spaces for artistic experimentation. However, their language is sometimes forced to conform to a similar logic, as workplaces and artistic networks are labelled as “creative hubs” and “cultural capital.” In the struggle against the gentrification of spaces for living and working, these same spaces necessarily become subject to the cultural economy’s valorization process. What is the price to pay for entering the political bidding war for space? What is the relationship between cultural and monetary capital? Are both sides of the conversation on equal terms?

The group show examines, among other things, how art deals with mechanisms of the partly voluntary, partly forced commodification of cultural and artistic values. The exhibition will showcase works by approximately 25 artists from Uferhallen

Kunst gegen Rechts

15. – 25. September 2022
Group Show, Uferhallen, Berlin

Eingeladene Künstler:innen:
Ulf Arminde, Stefan Alber, Aram Bartholi, Fehmi Baumbach, Marc Bijl,  Jessica Buhlmann/Zao, Zuzanna Czebatul, Moritz Frei, Jana Gunstheimer, Christian Henkel, Verena Issel, Zoe C. Miller, Anne Mundo, Rainer Neumeier,  Angelika Nguyen, Thomas Prochnow, Regina Schmeken, Schroeter&Berger, Kristina Schuldt, Raul Walch, Christian Werner, Ina Wudtke

Die siebte Ausstellung der Reihe KUNST GEGEN RECHTS nimmt den 30. Jahrestag der Pogrome von Rostock-Lichtenhagen als Anlass, um kritisch auf aktuelle, gesellschaftliche Konflikte einzugehen.

Deutschland ist eine postmigrantische Gesellschaft der Vielen. Immer noch wird diese Tatsache viel zu wenig zur Kenntnis genommen. Der Wiedervereinigung am 3. Oktober 1990 folgten rassistische Ausschreitungen und Mordanschläge in Rostock, Mannheim, Hoyerswerda, Mölln und Solingen bis zur Terrorserie des NSU. Es folgten Anschläge auf jüdische Friedhöfe und emanzipatorische Projekte. Eine wiedererwachte deutsche Volksgemeinschaft kroch aus den Löchern hervor.

Der rechte Populismus, der die Kultureinrichtungen als Akteure einer gesellschaftlichen demokratischen Vision angreift, steht der Kunst der Vielen feindselig gegenüber. Die Neue Rechte hat die Kulturpolitik als Kampffeld entdeckt, um ihre völkischen Vorstellungen umzusetzen. Rechte Gruppierungen und Parteien stören Veranstaltungen, verhindern Ausstellungen, greifen in Theater-Spielpläne ein, polemisieren gegen die Freiheit der Kunst, gegen Dekoloniale Erinnerungsprojekte und arbeiten an einer Renationalisierung der Kultur. Es wird einFeldzug gegen zeitgenössische, „undeutsche“ Kunst geführt, die als „neumodische Extravaganzen“ und „exzentrische Randgruppenkunst“ bezeichnet wird, wie aktuell gegen den Kunstverein in Zwickau.

Seit dem Ausbruch der Pandemie, stehen viele Dinge auf dem Prüfstand. Es zeigte sich, wer ein solidarisches Miteinander praktiziert und wer als Pandemiegewinnler oder Coronaleugner die Krise für eigene Interessen nutzt. Bei den sogenannten Querdenken-Demonstrationen kommt es zu einer fatalen Zusammenarbeit verschiedener Akteure. Rechte Gruppierungen und Parteien gewinnen immer mehr an Einfluss. Antisemitismus ist in der neuen Bewegung stark vertreten, wie auch eine Verharmlosung der Shoa und der Gleichsetzung der NS-Zeit mit der aktuellen Situation.

Bike In Head

24. July – 18. September 2022
Group Show, Städtische Galerie, Bremen

Beteiligte Künstler*innen:

Aram Bartholl, Rainer Ganahl, GRIT3000, Tobias Hübel / Anne Krönker, Stefan Jeep, Hannes Langeder, Kosuke Masuda, Kirsten Pieroth, Jens Weyers, Wolfgang Zach

in Kooperation mit Bike It!, Städtische Galerie Delmenhorst, Kunsthalle Wilhelmshaven

Die Ausstellung bike in head versammelt künstlerische Positionen, die das Fahrrad als Verkehrsmittel, als Status und Statussymbol und als beste menschliche Fortbewegungsart analysieren. Während Fahrräder in der Kunstgeschichte immer wieder als besondere Objekte zum Thema der Kunst geworden sind, zeigt bike in head, was das Fahrrad gesellschaftlich und lebensphilosophisch bedeuten kann. Der japanische Künstler Kosuke Masuda etwa nutzt traditionelle Tuschezeichnung, um in einem Atemzug je ein Bild zu entwerfen, das immer um das Radfahren kreist. Die Bewegung des Geistes, synchron mit dem Atem, wird zur Bewegung der zeichnenden Hand, die alles in die Darstellung einer selbstbezogenen, sich selbst reproduzierenden Fortbewegung überführt. Und diese bietet für die menschliche Wahrnehmung der Umgebung eine ideale Geschwindigkeit und einen perfekten Rhythmus. Über die Serie von über hundert solcher Zeichnungen vermittelt sich eine ganze rad-basierte Welterfahrung.

Wenn Jens Weyers Fahrräder, die seit Jahren eine besondere Verbindung zu ihren Besitzer*innen bezeugen, wie perfekt ausgeleuchtete Topmodels inszeniert und mittels dieser Oberflächenschönheit all die Gebrauchtspuren der Räder, die uns erst auf den zweiten Blick bewusst werden, als ihr Karma feiert, ist er mit einem formal anderen Ansatz auf einer ähnlichen Spur. Wie Fahrräder andererseits zu inszenierten Statussymbolen einer sich selbst optimierenden Freizeit- und Sportgesellschaft werden, komplett mit eigener Social Media-Ästhetik, greifen Tobias Hübel und Anne Krönker in teils großformatigen Fotos auf, die ebenso ironisch wie fasziniert auf eine Welt mit eigenen Grenzen blicken. Wo dies gelegentlich endet, zeigt Aram Bartholl, der sowohl hippe Gefährte wie E-Roller als auch alte Fahrräder als archäologische Relikte dieser Welt aus der Spree gezogen hat.

Das ambivalente, merkwürdige Verhältnis zum Gebrauchsgegenstand und Verkehrsmittel Fahrrad, das in all diesen Arbeiten ersichtlich wird, spielt für Menschen, die heute ihren Beruf schon auf dem Rad ausüben, eine ganz andere Rolle. Das Kollektiv fahrrad express reflektiert in seinem Zine Grit3000 mit Texten und Bildern über das Radkurierfahren, über die Zumutungen und Belastungen, die Faszination und nicht zuletzt die Genderfragen, die mit dem Fahrradfahren allgemein, mit diesem Beruf im Speziellen einhergehen. Dessen Bedeutung als Sisyphos-hafte Betätigung reflektiert auch Kirsten Pieroth in einem konzeptuellen Kunstwerk, welches das Fahrradfahren als Instrument des Kunstschaffens einsetzt und damit die Wertigkeit des Radkurier-Arbeitens als Wertigkeit eines Kunstobjekts umdeutet.

So kommt das Fahrrad in die Kunst zurück, ohne als skulpturales Objekt verwendet zu werden. Das allerdings macht der österreichische Künstler Hannes Langeder, der sein Fahrrad in der perfekten Nachahmung eines Ferrari-Wagens unterbringt. Dieses Fahrradi Farfalla führt alle Qualitäten des Luxusautos ad absurdum und macht im Kontext des Fahrrads als das zentrale Zukunftsverkehrsmittel auch noch einmal deutlich, dass Radverkehr vorerst nicht zu denken ist, ohne sich vom Auto abzugrenzen und unsere autofixierte Gesellschaft und Verkehrssysteme ganz neu zu denken.

Die Städtische Galerie Bremen liegt direkt am Weserradwanderweg und möchte die Sommermonate nutzen, die Fahrradausstellung direkt er-fahr-bar zu machen und sie mit dem eigenen Rad zu befahren und zu erleben. bike in head zeigt in diesem Kontext nicht ausschließlich künstlerische Positionen, sondern lädt zur Fahrradselbstreparatur ein, verweist auf aktuelles Fahrraddesign aus Bremen und zeigt eine Auswahl an Kurzfilmen zum Fahrrad. Diese wird von unserem Kooperationspartner „Bremen BIKE IT!“ kuratiert, der uns außerdem vor allem hinsichtlich aller Fragen von Bremen als Fahrradstadt unterstützt.

bike in head ist die dritte Etappe im Kooperationsprojekt zum umfassenden Thema des Fahrrads in der Kunst, das mit der Ausstellung Fahrradkörper vom 15. August bis 31. Oktober 2021 in der Städtischen Galerie Delmenhorst bereits Fahrt aufgenommen hat. Es wird mit der zweiten Etappe in der Ausstellung Cyclophilia vom 22. Juli bis 18. September in der Kunsthalle Wilhelmshaven mit einem Fokus auf dem Fahrrad als Performance- und Musikinstrument und mit bike in head in der Städtischen Galerie Bremen weitergeführt und ins Ziel gefahren.

Darüber hinaus will die Städtische Galerie Bremen neben der Ausstellung künstlerischer Positionen in Kombination mit soziologischen Fragestellungen und gestalterischen Konzepten vor allem durch ein umfassendes Veranstaltungsprogramm dem Fahrrad als zentrales Konzept einer sich verändernden Gesellschaft nachspüren und die damit verbundenen Fragen mit der Öffentlichkeit verhandeln. Neben Fahrradtouren inklusive einer Befahrung der Ausstellung sind Filmscreenings, Lesungen und Aktionen im öffentlichen Raum geplant. Dies soll um ein innovatives Vermittlungsprogramm ergänzt werden. In einer zweiteiligen Publikation wird die Ausstellung festgehalten. Der eigentliche Ausstellungskatalog erscheint als dreiteiliges Buchprojekt, das die Etappen der Kooperation zwischen den Kunsthäusern in Bremen, Delmenhorst und Wilhelmshaven dokumentiert. Der Bremer Katalog wird außerdem um eine umfangreichere Publikation ergänzt, in der Fragen des Radfahrens in Bremen in diversen gesellschaftlichen Feldern thematisiert werden.

DFG-Schwerpunktprogramms „Das digitale Bild”

7. – 9. July 2022
Talk, Online, Munich, Marburg

At the fifth conference of the priority program “The Digital Image”, which will take place in Marburg and online from July 7 to 9, 2022, we would like to devote ourselves to this aspect in detail and map various positions, illuminate approaches, and address problems. What is the relationship between the two cultural variables of art and science in the digital? What role do visualizations of abstract program codes play and what do we learn from looking into the black box AI? What are the historical implications of the genesis of the digital in the mathematical sciences, starting with the founders of computer science Alan Turing and John von Neumann? How do artists use specific properties and attributes of the digital image and how do they expand the creative possibilities or even the concept of art?

Are algorithms to be considered only as a tool for art, or are new kinds of cultural aesthetics emerging? Does the digital image change creative production, or should it rather be seen as a communication tool for artists?

The conference will provide an opportunity to look at exemplary phenomena and to compile descriptions, analyses and theses. The aim is to identify intersections from different disciplines and at the same time to reflect current research discourses from a new point of view. Details on the transdisciplinary projects of the first funding period can be found on our homepage:

Participants:

Alexander Galloway
Rosa Monkman
Hell Gette
Aram Bartholl
Helena Nikonnle
Nathalie Bredella
Michae Rottmann
Bernhard Dotzler
Roland Mever
Christi Baur
Felicitv Tattersall
Pah Erdmann
Pamela Scorzin
T. L. Cowan
Tilman Baumgärtel
Andy Donaldson

Full conference program

Blog Archive for Tag: hurtmeplenty

Hurt me plenty review – Motherboard

November 21, 2014

hurt-me-plenty-motherboard-2
Review of Hurt me plenty on Motherboard Vice http://motherboard.vice.com/read/hurt-me-plenty
by Doug Berend
thx!!

Tagged with:

Computer art of today

September 25, 2014

‘Hurt me plenty’ opening speech by Olia Lialina

IMG_5105
Opening speech by Olia Lialin on Sept 12th 2014, DAM gallery Berlin.
Aram Bartholl – Hurt me plenty (pictures )
13th September – 1st November 2014
DAM Gallery, Berlin
 
Good evening,
I’m happy to have a chance to talk at the opening of Aram Bartholl’s, “Hurt me plenty” exhibition. Please allow me to start by mentioning another artist, Herbert Franke. His work was exhibited at the DAM Gallery many times I believe. Some year ago I invited him as a computer art pioneer to tell young designers about the origins of Algorithmic Art and Generative Graphics.
It was a very inspiring and energetic talk. One of the most thought provoking parts though was Franke explaining that there were times such as in the late 50’s/early 60’s when you had to fight for the idea that you can make Art with computers. Computer Artists were outcasts of the Fine Art scene. They couldn’t claim to be called Artists. It was just not accepted, because computers are algorithmic and Art is spiritual. Art was not allowed to come from computers or algorithms. These times are long gone. Digital computers became medium, then meta-medium, and turned in to new media. There is hardly any art today made without computers in Fine Arts and in Contemporary Art. Moreover, there is a whole universe of Media Arts with at least a 30 years old tradition of creating art with digital technology as being medium specific, not just by producing the work with some application, but with being critical or at least attentive to the software itself.
Today we find ourselves surrounded by post-digital and post-internet art, whereas renouncing of digital technology is so important and paying attention to the computer is supposed to be of ‘yesterday’. In post-digital art, hybrid forms are preferred and ambiguous, veiled messages are sent around. Like, common, digital is everywhere. Don’t even mention it. Be an Artist. Don’t be Computer Artist. Full circle.
In particular, this state of the arts makes me think about the possible revival of Computer Art as a notion and term that nowadays could belong to artists who make an effort to show the computer itself. It is neither algorithmic, nor nostalgic. Not 8 bit.
Art of direct messages and gestures. Clear and totally explicit.
Here are 10.000 passwords from Yahoo messenger. Find yours.
This is the graphic card. A computer inside your computer. It is expensive and powerful.
This is your phone. You have no idea when it is off or on. Come to a workshop and make a copper bag to put it inside and find out for sure.
This is the Hard Disk Crusher. This is your hard disk.
Computer art of today is hardware art. Art of hard messages. It hurts.
These brutally scratched hard disk plates are there. They refer to a significant case that happened a year ago when the Guardian received an order to destroy the computer where Snowden’s files were stored. In the mass media we saw explicit pictures of damaged computer parts and images of journalists executing drives and chips. It hurts to see it, hurts to listen to the Guardian’s Editor in Chief, who says, “Its harder to smash up a computer than you think”. Yeah, it’s even harder to accept it as a reality, journalists drilling though hard drives.
They were forced to do so. It was an act of intimidation. But, I think soon we’ll do it voluntarily and on a regular basis. There is less and less certainty of what you are doing with your computer on the level of software. There is hardly a proper way to save, and almost no way to delete by giving commands to the software. When you really would want to delete information, you’ll have to put your hard drive into the hole of this machine.
You are probably familiar with classic images of the first ever computer called ENIAC from 1945. It’s a computer the size of this space, and it is operated by many people who rewire or rebuild it for every new tasks. ENIAC was operated on the level of hardware, because there was no software. These images are from the remote past, but maybe, they are also of the nearest future.
Software is developed in a way that makes us helpless and desperate and there are less and less commands available. I don’t have an ‘undo’ available on my phone any more. So if something crucial, if I really need to ‘undo’, the only way is to throw my phone into this hole. I’m exaggerating. Whats this phone after all? This dumb terminal through which I connect to the Cloud? But the Cloud is in the same routine.
Earlier this year at the Transmediale Festival, Sebastian Schmieg and Johannes Osterhoff showed their project “10 kilograms from the Google factory”. It’s a box of shredded hard disks from the Google Data Center in Belgium with hundreds of useless, formless objects looking like fragments of a meteorite. It’s of no importance for Science, but could be well suited for the gift shop of a science museum. Artists were actually selling them as a souvenir – 85 Euros per piece. Buy part of the Cloud, say hello to your files.
But there is also good news. There is a computer artist who brings a hard disk ‘crasher’ in to the gallery. It looks small here. It is three times smaller than the graphic card on the wall. These cards will not fit inside there. The ‘crasher’ looks rather harmless here. Looks like there maybe alternatives. There is a future for software. That there is a chance for software transparency, a chance to delete by giving a command to the computers not the computer terminators. You should see clearly to think about it.
Dimensions and scale matter.
Last semester we had the honor of hosting Aram at the Merz Akademie. He made a project with my students titled, “For your eyes only”. It was about wearable smart objects: smart watches, smart glasses. These are technologies that promise to be very helpful and almost invisible. Week after week this group was doing the opposite, working on projects and objects that would bring awareness about the presence of the devices. Works that would made them visible and that would make us notice them. Two students decided to build a big model of Google Glass. Like really big. Three to two meters or something like this. Yeah, surprise, of course, invite the author of the monumental ‘Marker’ and ‘Dust’ to teach, and wonder that his students will search for some vivid element of the digital realm to erect a statue of in public space. I know that Aram was not really comfortable with this and tried to guide students into more subtle solutions, but they were steadfast in their decision. And in the end of the semester, they carried in a huge clumsy model of this trendy high-tech accessory. I don’t know what grade they got, but it still stays there, an unusable and sad object like Google Glass itself. But now you can clearly see it.
The thing is, we are not blind, but invisible computing made us longsighted, we don’t see what is right in front of our eyes because we are not supposed to see it. Computer Art can help. It has an optic.
Enjoy magnification, zoom in, clear images and binary statements.
Olia Lialina 2014
IMG_5122
Olia Lialina
Net Artist, one of the net.art pioneers.
Co-founder of Geocities Research Institute
New Media Professor at Merz Akademie, Stuttgart

Tagged with: +

Hurt me plenty – Pictures & Press

September 22, 2014

hurt me plenty - by vinciane verguethen -1022
hurt me plenty - by vinciane verguethen -1032
hurt me plenty - by vinciane verguethen -0996
hurt-me-plenty-flickr-set-contacts-3
All pictures: https://www.flickr.com/photos/bartholl/sets/72157647904042972/
Hurt me plenty
Exhibition: 13th September – 1st November 2014
DAM Gallery, Berlin
7:30: Introduction by Olia Lialina, Professorin New Media at the Merz Akademie Stuttgart.
In his solo show Aram Bartholl exhibits a new series of works inspired by the questions and developments engaging humankind’s ‘entry’ into the digital realm and the role of the first person as ‘shooter’. Bartholl deconstructs stereotypes about pixel imaging with unique large-scale works that are subtly combined with a series of pieces about issues of privacy, surveillance and net neutrality. With this exhibition, Bartholl proposes a new discourse that challenges the current debates about surveillance versus the seemingly antiquated ideas and images of ‘cyberspace’.

Press:

Tagged with:

Individual Invitations

September 9, 2014

Sieh dir diesen Beitrag auf Instagram an

individual invitations!

Ein Beitrag geteilt von Ar@m B@rtholl (@arambartholl) am

Hurt me plenty

Preview: September 12, 2014, 19 – 21 Uhr
September 13 –  November 1st, 2014
DAM Gallery
 
 

Tagged with:

Hurt me plenty

August 22, 2014

choose-skill-level-hurt-me-plenty-1000
I’m pleased to announce my upcoming solo show at DAM gallery. New works!! CU there!!

Aram Bartholl – Hurt me plenty

Exhibition: 13th September – 1st November 2014
DAM Gallery, Berlin
Preview: 12th September 2014, 7 – 9 PM
7:30: Introduction by Olia Lialina, Professorin New Media at the Merz Akademie Stuttgart.
In his solo show Aram Bartholl exhibits a new series of works inspired by the questions and developments engaging humankind’s ‘entry’ into the digital realm and the role of the first person as ‘shooter’. Bartholl deconstructs stereotypes about pixel imaging with unique large-scale works that are subtly combined with a series of pieces about issues of privacy, surveillance and net neutrality. With this exhibition, Bartholl proposes a new discourse that challenges the current debates about surveillance versus the seemingly antiquated ideas and images of ‘cyberspace’.
Performance during the Preview:
BYOD – Bring Your Own Drive, and crush it.
Disused hard drives of PCs, laptops and servers imply a high security risk. DATALOVE prevents that discarded hard drives with sensible data fall into wrong hands. During the Preview of the exhibition the visitors are invited to bring their old data storage media and get them destroyed with a hardware crusher as part of Bartholl´s performance DATALOVE.
———————————————————————————————————-

Aram Bartholl – Hurt me plenty

Ausstellung: 13. September – 1. November 2014
DAM Gallery, Berlin
Preview: 12. September 2014, 19 – 21 Uhr
19:30: Einführung von Olia Lialina, Professorin New Media an der Merz Akademie Stuttgart.
In der Einzelausstellung zeigt Aram Bartholl eine Reihe neuer Arbeiten inspiriert von den Fragen rund um die Entstehung von First Person Skootern und dem ‘Eintritt’ des Menschen in das Digitale. Bartholl dekonstruiert mit großformatigen Arbeiten Pixelstereotypen und kombiniert diese auf subtile Weise mit den aktuell dringenden Themenkomplex rund um Privatsphäre, Überwachung und Neutralität im Netz. Die scheinbar antiquierten Ideen und Bilder von ‘Cyberspace’ versus der aktuellen Überwachungsdebatte werden in einer Ära der digitalen Omnipräsenz neu zur Diskussion gestellt.
Performance zur Eröffnung der Ausstellung:
BYOD – Bring Your Own Drive, and crush it.
Ausgediente Festplatten von PCs, Laptops und Servern bergen ein hohes Sicherheitsrisiko. DATALOVE verhindert, dass ausrangierte Festplatten-Laufwerke mit sensiblen Daten in falsche Hände geraten. Zur Ausstellungseröffnung sind die Besucher herzlich eingeladen im Rahmen von Bartholls Arbeit DATALOVE ihre alten Datenträger mitzubringen und vor Ort mit einem Hardware-Crusher zu zerstören.
 

Tagged with: